Chapitre 2

 

Les hommes vivent et meurent sur la terre depuis plus d’un million d’années, mais l’écriture n’existe que depuis 5 500 ans…

C’est en Mésopotamie (littéralement “le pays entre les fleuves), quelque part en bordure du Tigre ou de l’Euphrate, que l’écriture est apparue pour la première fois.
Il y a 5 000 ans, coexistent de part et d’autre du Tigre deux civilisations : la civilisation sumérienne, entre le Tigre et l’Euphrate, et la civilisation proto-élamite, à l’est du Tigre, dont la capitale est Suse (Iran actuel). Organisées sous l’autorité d’un souverain, les populations sont urbanisées et composées d’administrateurs, de marchands, d’artisans, de paysans et de bergers qui pratiquent des échanges, administratifs ou commerciaux.
C’est sans doute la nécessité ressentie par les hommes de conserver la trace de leurs échanges qui est à l’origine de l’invention de l’écriture. Ce sont les Sumériens qui perfectionnent le système. Les Élamites ne vont pas au-delà de leurs propres pictogrammes et empruntent plus tard le modèle sumérien pour noter leur langue.

 

 

Qu’est-ce que l’écriture ?

 

C’est d’abord un système de signes graphiques. Mais dessiner ce n’est pas encore écrire. Pour devenir une écriture, ce système de signes doit entretenir avec une ou plusieurs langues une relation codifiée. L’écriture utilise des supports très variés, pierre, argile, papyrus, papier microfilm ou supports électroniques, pour transmettre des messages à travers le temps et l’espace.

L’écriture naît plusieurs fois :

 

• elle apparaît presque simultanément en Égypte et en Mésopotamie dans la seconde moitié du 4e millénaire avant J.-C.

• Les idéogrammes chinois naissent plus tardivement, aux alentours de 1500 avant J.-C.

• En Méso-Amérique, chez les Olmèques, les plus anciens vestiges d’écriture semblent remonter au début du 2e millénaire avant J.-C.

• Enfin, dans la vallée de l’Indus, l’écriture est attestée au 2e millénaire sur de nombreux sceaux, sans que les pictogrammes qui la constituent aient pu être déchiffrés.

 

L’aventure des écritures est une aventure sans fin. Ainsi, en Afrique de l’Ouest, le 19e siècle a vu fleurir près de dix nouvelles écritures.

L’écriture n’est pas une invention technique comme une autre. Par elle les hommes détiennent un pouvoir nouveau, celui de transcender l’espace et le temps, celui de voir la parole. Ils peuvent désormais écrire leur propre histoire. C’est pourquoi elle apparaît au travers des récits mythiques comme chargée d’une énergie divine.

Veinures des pierres et des feuilles, laves pétrifiées, écorce des arbres, strates des roches, fossiles, taches sur le pelage d’animaux, ombres mouvantes au coucher du soleil, vol des oiseaux dans le ciel, trajectoire des étoiles, vision de ses propres traces sur le sol boueux ou enneigé, volutes de fumée, anomalie du foie d’un mouton...
Éphémères ou figés, autant de messages énigmatiques dont l’homme a cherché à extraire du sens, autant de signes qu’il a appris à lire bien avant de se risquer à produire ses propres messages, avant de tracer ses premiers caractères d’écriture.

 

 

Ville et écriture semblent liées

 

Urbanisation au Néolithique

 

La période Néolithique s'accompagne d'un modèle de subsistance des groupes humains fondé sur l'agriculture et l'élevage. Cela implique une progressive sédentarisation. Des constructions durables apparaissent alors avec l'invention de l'irrigation, de l'écriture et la spécialisation du travail. L'archéologue australien Vere Gordon Childe utilise le premier les termes de "révolution néolithique" et "révolution urbaine" pour désigner cette période.

Les premières villes importantes connues grâce à des fouilles archéologiques apparaissent à la fin du Néolithique. Celles de la culture de Cucuteni-Trypillia à partir de la fin du Ve millénaire avant notre ère, en Ukraine, Roumanie et Moldavie, sont d'une ampleur sans précédent. Ces villes pouvaient atteindre plus de 15 000 habitants et couvrir plusieurs kilomètres carrés, elles avaient déjà un urbanisme très planifié et organisé, en plan elliptique concentrique.

Les premières villes fleurissent dans le courant du Néolithique, lorsque l'homme pratique l'agriculture et peut peupler certaines régions avec une plus grande densité de populations et dégager des excédants commerciaux sur les productions alimentaires, qui vont permettre de faire vivre des populations d'artisans spécialisés dans des villes, puis des dirigeants avec leurs serviteurs, leurs fonctionnaires et leurs armées, vivant d’impôts prélevés dans les campagnes. La découverte de Tell Zeidan, au Nord de la Syrie en 2010 relance ce débat3. Un tell est une colline artificielle formée par les ruines d'un village antique. Cette cité serait apparue entre 5500 et 4000 avant J.C. On a retrouvé sur le site les traces d'un artisanat de luxe, de réseaux d'échanges et d'un urbanisme monumental.

On trouve à la fin du Néolithique, en Europe, des cités lacustres, construites en bord de lac et parfois érigées sur pilotis. On peut citer les sites du lac de Chalain dans le Jura4, de Bevais et d'Auvernier à Neuchâtel. Les apports des fouilles archéologiques permettent de découvrir les sites d'anciennes cités et d'en étudier les caractéristiques.

 

Urbanisation antique

 

Les grandes villes apparaissent ensuite dans l'Antiquité ancienne entre 3500 et 1500 av. J.-C. dans les régions fertiles et limoneuses de Mésopotamie comprises entre le Tigre et l'Euphrate (Uruk), aujourd'hui l'Irak, puis en Syrie, en Égypte, dans les vallées du Nil et du Jourdain, de la vallée de l'Indus (Mohenjo-daro) et du Yangzi Jiang. Il s'agit d'une véritable « révolution urbaine » réalisée non pas par une incorporation progression de traits urbains dans le village mais d'une fondation de ville, ou sa refondation à partie d'un village : les villes sont créées non en fonction de ressources ou de climat favorables mais elles sont initialement consacrées à une divinité ou à un héros5,6. Le phénomène urbain en Grèce ou en Italie, lorsque plusieurs villages se réunissent en une seule cité, s'appelle synœcisme.

Les fouilles de l'ancienne cité mésopotamienne d'Uruk, située sur les bords de l'Euphrate, mettent au jour une véritable cité état. On a retrouvé la trace d'un ziggurat, de routes commerciales vers l'Iran et l'Anatolie et d'indices de spécialisations dans l'administration et l'artisanat. Pascal Butterlin évoque à propos d'Uruk "un paradigme incomplet". Il manque à cette cité, selon lui, une dimension symbolique de la ville, d'idéologie d'état.

Certains chercheurs voient en Solnitsata, une ville européenne datant de 4700 à 4200 ans avant Jésus-Christ8, la plus ancienne ville d'Europe connue à l'heure actuelle.

 

 

 

 

L’écriture naît à la croisée de deux pratiques :

 

àUne pratique du dessin s’appliquant à reproduire d’une manière schématisée les objets et les êtres de l’univers sumérien (épis, bœuf, chèvre, pain, roi…).

àUne pratique comptable substituant aux objets à compter des petits jetons en pierre ou en argile affectés d’une valeur convenue.

Lorsqu’on imagine de remplacer ces jetons, ou calculi, par les dessins de ce qu’ils représentent, l’écriture est née, c’est-à-dire un système d’environ un millier de caractères clairement identifiables. Sa première fonction est donc de faciliter l’enregistrement des transactions commerciales à une époque de grande prospérité économique (l’invention récente de la roue venait de dynamiser les échanges en Mésopotamie).
Il s’agit primitivement d’une “écriture de choses”. On trace sur de petites tablettes d’argile humide, au moyen d’un roseau taillé en pointe, des signes pictogrammes permettant d’identifier l’objet évoqué grâce à sa ressemblance avec ce qu’il désigne. Le scribe les tient dans sa main et écrit en colonnes de haut en bas et de droite à gauche. Cette écriture de choses devient progressivement une “écriture de mots”, sous l’effet d’une évolution technique. En effet, la demande augmentant, le scribe se met à utiliser des tablettes plus grandes qu’il fait reposer sur son avant-bras : il est ainsi amené à faire pivoter les signes d’un quart de tour vers la gauche et à écrire horizontalement et de gauche à droite.
Les pictogrammes primitifs perdent alors leur caractère réaliste et cette première abstraction favorise sans doute l’utilisation phonétique du signe, substituant à l’écriture de mots, l’“écriture du son”. Cela permet de diminuer le nombre de caractères (près d’un millier au départ), le même signe pouvant servir à désigner plusieurs objets différents dotés de la même valeur phonétique : ainsi, par exemple, le pictogramme de la flèche  sert-il à désigner aussi la vie.
Dans une langue où de nombreux mots sont monosyllabiques, les homophonies abondent, rendant souvent difficile le choix du bon sens du mot, d’autant plus que le même signe peut, par extension, désigner des objets proches mais de prononciation différente.

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Ainsi le signe de l’étoile désignait aussi le dieu (dingir) et par extension le ciel (an).
Ceci explique la nécessité qui s’impose alors aux scribes d’inventer de nouveaux signes “classificatoires” pour aider à l’interprétation, mais aussi l’utilité de recourir, parallèlement à l’inscription des signes, à une transcription phonétique permettant de choisir le sens.
Ce pas de géant franchi, il n’a fallu que peu de siècles pour que l’écriture cunéiforme conquière toutes les capacités d’un système désormais propre à servir d’exacte doublure du parler, et à en matérialiser toutes les nuances.

 

Les systèmes d'écritures ont été précédés par des proto-écritures, des systèmes de symboles idéographiques ou mnémoniques. Les exemples les plus connus sont :

• l'écriture jiahu gravés sur des carapaces de tortues à Jiahu, autour de 6600 av. J.-C. ;

• l'écriture vinča (tablettes de Tărtăria), autour de 5300 av. J.-C. ;

• la première écriture de l'Indus, autour de 3500 av. J.-C.;

• l'écriture du Nsibidi, au Ve siècle apr. J.-C.

L'invention des premiers systèmes d'écriture est à peu près contemporaine du début de l'Âge du bronze à la fin du Néolithique. L'écriture cunéiforme archaïque des Sumériens et les hiéroglyphes égyptiens sont généralement considérés comme étant les premiers systèmes d'écriture, ayant tous deux émergés de leur systèmes de symboles ancestraux respectifs entre 3400 et 3200 av. J.-C., avec des premiers textes cohérents à partir de 2600 av. J.-C. Il est généralement admis que l'écriture sumérienne fut une invention indépendante ; cependant, on débat encore pour savoir si l'écriture égyptienne s'est développée de manière complètement indépendante de celle de Sumer ou si elle est un exemple de diffusion culturelle.

 

 

L’écriture cunéiforme

Les caractères cunéiformes sont appelés ainsi en raison de leur ressemblance avec des clous, du latin cuneus : les scribes, en effet, utilisaient l’extrémité d’un roseau taillé en biais et s’en servaient comme d’une sorte de tampon à imprimer ; le dessin obtenu ressemblait effectivement à un clou.
C’est à Sumer, semble-t-il, que naît l’écriture, première grande matrice encyclopédique permettant le stockage des informations et leur diffusion toujours plus vaste. Pratiquée dans tout l’Orient durant trois millénaires avant J.-C., l’écriture cunéiforme sert à transcrire de nombreuses langues : le sumérien, l’akkadien, l’assyrien, le babylonien, l’araméen, le hittite et l’ourartéen notamment.
L’écriture cunéiforme permet de transcrire rituels et hymnes religieux, formules divinatoires et aussi ce qu’il est convenu aujourd’hui d’appeler “littérature”, dont la célèbre épopée de Gilgamesh, dont on a retrouvé des fragments à Ninive, sur l’emplacement de l’ancienne bibliothèque du roi assyrien Assurbanipal (669-627 avant J.-C.). Aussi longtemps que les Sumériens vivent en paix avec les Akkadiens, en Mésopotamie (Sumériens au sud, Akkadiens au nord), l’écriture cunéiforme sert à transcrire le sumérien. Mais très vite, les Akkadiens dominent l’ensemble de la Mésopotamie ; et, à partir de l’an 2 000 avant J.-C., l’akkadien devient l’unique langue parlée tandis que le sumérien joue le rôle d’une langue sacrée (un peu comme le latin en Occident).

 

Inana et Dumuzi

 

 

L'écriture cunéiforme représente l'aboutissement de l'évolution des signes en Mésopotamie. Lors du premier stade de l'écriture, le graphisme est linéaire, formé de droites et de courbes selon les objets représentés. Mais les signes se déforment rapidement, ils se stylisent et perdent toute ressemblance avec l'objet dessiné primitivement. Ce phénomène a pour cause le support employé, l'argile fraîche, qui rend difficile la reproduction de courbes : elles sont remplacées par des droites imprimées au moyen d'un calame de roseau taillé en biseau, produisant une incision en forme de coin.

D'autre part, vers 2400 av. J.-C., le sens de lecture se modifie, les signes effectuant un quart de tour vers la gauche. Cette graphie horizontale se lit alors en ligne de gauche à droite. Renversés, les signes deviennent moins expressifs et se prêtent à une systématisation. Ces cinq objets illustrent cette évolution, à l'exemple du signe du roi.

 

• La Mésopotamie a non seulement permis grâce à l’invention de l’écriture de développer des systèmes de signes repris dans l’Art mais l’écriture a permis la création par la symbolique et donc la fiction…

Les œuvres écrites, sculptées ou peintes vont alors décrire et raconter des histoires comprenant plusieurs personnages qui seront de plus en plus héroïques et dont les aventures vont à leur tour façonner la mentalité.

 

 

 

 

 

Egypte, un art tourné vers la mort ou plutôt le « passage »

 

 

Cette version « Dorienne », mâle, rude voire ébauchée, aux formes simples, aux matières élémentaires. Mais ce style, cette tendance n’est pas une création pure du monde grec.

C’est un autre Art, venu d’Egypte, plus archaïsant, et c’est un art hiératique, en ce sens qu’il possède de nombreuses règles figées qui remontent au Vème millénaire avant JC :

 

• Les personnages assis on les mains sur le les genoux,

• les femmes ont un teint plus clair que les hommes

• le Dieu Horus a une tête de faucon,

• Anubis a une tête de chacal, etc

 

Ce qui fascine Platon dans cet Art Égyptien, c’est la manière de représenter les choses et les êtres. Ce qui compte, ce n’est pas que ce soit beau, mais que ce soit complet !

D’où les Egyptiens adoptent un angle qui présente l’objet ou le personnage sur le plus de faces possibles, sans tenir compte de l’apparence.

 

• Exemple de la peinture du jardin

 

L'artiste égyptien veut tout montrer ne rater aucun élément être complet plutôt que respecter l'apparence.

 

Toute représentation, dans l'art égyptien, est caractérisée, en général, par une certaine idée d'« ordre » : des lignes claires associées à des formes simples, et des aplats de couleur quand il y en a. Mais des nuances sont parfois bien visibles.

 

Les jardins de l'Égypte ancienne ont probablement commencé comme de simples vergers et potagers, irrigués par l'eau du Nil. Au fur et à mesure que le pays s'enrichissait, ils se sont transformés en jardins d'agrément avec des fleurs, des étangs et des vallées d'arbres fruitiers et d'ombre. Les temples, les palais et les résidences privées avaient leurs propres jardins, et des modèles de jardins étaient parfois placés dans les tombes pour que leurs propriétaires puissent en profiter dans l'au-delà.

 

Les gravures et dessins dans les pyramides ou les temples d’Egypte antique représentent toujours de profil les personnes importantes, tels les pharaons. 

A l’époque, en effet, les artistes ne cherchaient pas à réaliser le croquis le plus réaliste possible, mais davantage à respecter les critères religieux alors en vigueur. Leur but : montrer aux dieux le corps de leurs modèles dans leur ensemble. Chaque membre était donc reproduit sous l’angle qui permettait de le voir au mieux.

 

La symétrie égyptienne

Cela ne veut pas dire que les Égyptiens n'avaient aucun sens de la beauté esthétique. Même les hiéroglyphes égyptiens étaient écrits dans un souci d'esthétique. Une phrase hiéroglyphique pouvait être écrite de gauche à droite ou de droite à gauche, de haut en bas ou de bas en haut, en fonction de l'impact de son choix sur la beauté de l'œuvre finale. En d'autres termes, toute œuvre devait être belle, mais la motivation pour créer était axée sur un objectif pratique: la fonction. Malgré cela, l'art égyptien est constamment admiré pour sa beauté, et ce en raison de la valeur que les anciens Égyptiens accordaient à la symétrie.

L'équilibre parfait de l'art égyptien reflète la valeur culturelle de Maât (l’harmonie) qui était au cœur de la civilisation. Maât n'était pas seulement l'ordre universel et social, mais le tissu même de la création qui vit le jour lorsque les dieux créèrent l'univers ordonné à partir du chaos indifférencié. Le concept d'unité, d'unicité, était ce «chaos», mais les dieux introduisirent la dualité - la nuit et le jour, la femme et l'homme, l'obscurité et la lumière - et cette dualité était régulée par Maât.

C'est pour cette raison que les temples égyptiens, les palais, les maisons et les jardins, les statues et les peintures, les chevalières et les amulettes furent tous créés dans un souci d'équilibre et reflètent tous la valeur de la symétrie. Les Égyptiens croyaient que leur terre avait été créée à l'image du monde des dieux, et que lorsqu'une personne mourait, elle se rendait dans un paradis qu'elle trouvait tout à fait familier. Lorsqu'un obélisque égyptien était fabriqué, il était toujours créé et dressé avec un jumeau identique et ces deux obélisques étaient considérés comme des reflets divins, fabriqués au même moment, dans le pays des dieux. Les cours des temples étaient disposées de manière à refléter la création, Maât, Heka (la magie) et l'au-delà avec la même symétrie parfaite que celle initiée par les dieux lors de la création. L'art reflétait la perfection des dieux tout en servant un objectif pratique au quotidien.

 

Le hiéroglyphe utilisé pour transcrire les différents termes de cette racine hémou (± « art ») représente le foret de silex lesté qui servait à creuser les vases de pierre au cours de la Préhistoire, en Égypte : un travail de spécialiste producteur de signes de prestige, déposés dans les tombes, des « super-vases », incassables-éternels, ou, peut-être, des images de vases, pour l'au-delà.

Indice que certains grands imagiers étaient considérés comme exceptionnels : un prêtre et scribe savant signa - à plusieurs reprises - le décor d'une tombe qu'il avait été invité à « inscrire », en gravant : « Le scribe des écrits divins, ce n'est pas quelqu'un qui appartient à la catégorie des « scribes de formes ». C'est son cœur (soit son intelligence) qui l'a conduit lui-même, sans qu'un supérieur ne lui ait donné de directive. ». Il y a donc bien des noms d'artistes, reconnus comme tels, inscrits sur certains monuments.

Le sculpteur en ronde-bosse était désigné comme « celui qui fait vivre », celui qui donne vie au bois, à l'ivoire, comme à la pierre la plus dure par la magie de son art. Cette aptitude à donner vie sera aussi celle attribuée au sculpteur par les Grecs, comme déjà chez Homère avec la figure d'Héphaïstos, capable de donner la vie à une statue d'Hermès.

 

L'expression égyptienne pour désigner le dessinateur, « scribe des contours », traduit le fait qu'il n'y avait pas de distinction claire entre écriture et image. Suivant l'expression concise de Luc Delvaux, « le scribe dessine l'écrit, et le dessinateur écrit l'image35. »

 

Musiciennes et danseuses. Tombe de Nebamon. XVIIIe dynastie. British Museum

Dans l'Égypte antique la peinture est d'abord un dessin, qui est éventuellement mis en couleur par des coloristes ; le dessinateur se fait rarement peintre. Plus généralement, le dessin est la source commune des autres arts ; sous forme de plan, d'esquisse, de grille, il est fondamental.

Le dessin en Égypte ancienne est régi par des codes, comme le canon classique ou l'usage de la frontalité. Le réalisme visuel lui est totalement étranger. « Leur but [aux dessinateurs] est de ne pas cacher ce qui est essentiel à la scène telle que leur esprit la conçoit et veut la faire revivre. » D'ailleurs le matériel est le même : l'encre et les pinceaux ou le calame, une palette pour les deux couleurs : rouge et noir, les dessinateurs et peintres disposent de palettes d'un plus grand nombre de couleurs (le mélange pigment eau se faisant dans des godets creusés dans la palette de bois). Le dessinateur broie le pigment (noir de carbone et ocre rouge ou d'oxyde de fer) puis le mêle à un liant de gomme végétale (probablement (?) gomme arabique) ce qui donne de petits pains de couleur qui seront fondus dans l'eau du godet.

En principe, le dessin représente toujours les visages de profil. Cependant la frontalité (le corps vu de face) s'applique dans certains cas : d'abord aux animaux, pour en souligner la fougue, l'énergie dans la vitesse, le regard aiguisé. Mais le visage humain peut être montré de face : traditionnellement, celui des ennemis. Exceptionnellement, ce peut être celui d'un prêtre qui se distingue par son acuité visuelle, comme le prêtre astronome. Et dans un groupe de musiciennes de la XVIIIe dynastie (actuellement au British Museum), deux d'entre elles ont le visage de face, ce qui pourrait indiquer un lien entre ces musiciennes et la déesse Hathor. Les égyptiens utilisent le profil comme ce que l'on peut observer dans l'art grec antique. Par contre, à la fin de l'Antiquité, l'Égypte romaine s'ouvre à de nouvelles techniques, et la frontalité peut s'appliquer alors au défunt.

En termes de couleur, il existe aussi des codes. L'exemple le plus frappant, à nos yeux, est celui qui distingue (comme en Grèce), dans la représentation du couple, le corps de la femme [appartenant à l'élite], qui est généralement en clair (jaune pâle) alors que celui de l'homme est brun. Mais, en principe, tous les corps humains du peuple, et ceux des divinités égyptiennes anthropomorphes sont bruns.

 

 

Progression historique

L'art égyptien est l'histoire de l'élite, de la classe dirigeante. Durant la plupart des périodes historiques de l'Égypte, les personnes aux moyens plus modestes ne pouvaient pas s'offrir le luxe d'œuvres d'art pour raconter leur histoire et c'est en grande partie grâce à l'art égyptien que l'histoire de la civilisation fut connue. Les tombes, les peintures funéraires, les inscriptions, les temples et même la majeure partie de la littérature sont consacrés à la vie de la classe supérieure et ce n'est qu'en racontant ces histoires que l'on révèle celles des classes inférieures. Ce paradigme était déjà établi avant l'histoire écrite de la culture. L'art commence à la période pré-dynastique en Égypte (6000 - 3150 av. JC environ) avec des dessins rupestres et des céramiques, mais il se matérialise pleinement au début de la période dynastique (3150 - 2613 av. JC environ) avec la célèbre palette de Narmer.

 La palette de Narmer (3150 av. JC environ) est une plaque cérémonielle à deux côtés en pierre de limon, sculptée de façon complexe avec des scènes de l'unification de la Haute et de la Basse-Égypte par le roi Narmer. L'importance de la symétrie est évidente dans la composition qui présente les têtes de quatre taureaux (un symbole de pouvoir) au sommet de chaque côté et une représentation équilibrée des personnages qui racontent l'histoire. L'œuvre est considérée comme un chef-d'œuvre de l'art du début de la période dynastique et montre à quel point les artistes égyptiens étaient sophistiqués à cette époque.

 

Pendant l'Ancien Empire (2613 - 2181 av. JC environ), l'art fut standardisé par l'élite et les figures étaient produites de manière uniforme pour refléter les goûts de la capitale à Memphis. La statuaire de la fin de la période dynastique précoce et du début de l'Ancien Empire est remarquablement similaire, bien que d'autres formes d'art (peinture et écriture) soient plus sophistiquées dans l'Ancien Empire. Les plus grandes œuvres d'art de l'Ancien Empire sont les pyramides et le Grand Sphinx de Gizeh, qui se dressent encore aujourd'hui, mais des monuments plus modestes furent créés avec la même précision et la même beauté. L'art et l'architecture de l'Ancien Empire étaient en fait très appréciés par les Égyptiens des époques suivantes. Certains souverains et des nobles (comme Khâemouaset quatrième fils de Ramsès II)

 

L'art s'épanouit pendant le Moyen Empire (2040 - 1782 av. JC), qui est généralement considéré comme le point culminant de la culture égyptienne. C'est à cette époque que les statues colossales 16 virent le jour, ainsi que le grand temple de Karnak à Thèbes. L'idéalisme des représentations de l'Ancien Empire dans les statues et la peinture est remplacé par des représentations réalistes et les classes inférieures sont également représentées plus souvent dans l'art qu'auparavant. Le Moyen Empire cède la place à la deuxième période intermédiaire de l'Égypte (1782 - 1570 av. JC environ) au cours de laquelle les Hyksos tiennent de vastes zones de la région du Delta tandis que les Nubiens empiètent sur le sud. L'art de cette période produit à Thèbes conserve les caractéristiques du Moyen Empire tandis que celui des Nubiens et des Hyksos - qui admiraient et copiaient tous les deux l'art égyptien - diffère en taille, en qualité et en technique.

 

Le Nouvel Empire (1570 - 1069 av. JC environ), qui suivit, est la période la plus connue de l'histoire de l'Égypte et il généra certaines des plus belles et des plus célèbres œuvres d'art. Le buste de Néfertiti et le masque mortuaire en or de Toutankhamon proviennent tous les deux de cette époque. L'art du Nouvel Empire est défini par une vision et une technique de haute qualité due en grande partie à l'interaction de l'Égypte avec les cultures voisines. C’était l'époque de l'empire égyptien et les techniques de travail du métal des Hittites - qui étaient désormais considérés comme des alliés, voire des égaux - influencèrent grandement la production d'objets funéraires, d'armes et d'autres œuvres d'art.

 

Après le Nouvel Empire, la troisième période intermédiaire (1069 - 525 av. JC environ) et la période tardive de l'Égypte ancienne (525 - 332 av. JC) tentèrent, avec plus ou moins de succès, de maintenir le niveau élevé de l'art du Nouvel Empire tout en évoquant les styles de l'Ancien Empire dans un effort pour retrouver la stature déclinante de l'Égypte. L'influence perse de la période tardive fut remplacée par un penchant grec pendant la dynastie ptolémaïque (323 - 30 av. JC), qui tente également de suggérer les normes de l'Ancien Empire avec la technique du Nouvel Empire. Ce paradigme persiste jusqu'à l'Égypte romaine (30 av. JC - 646 ap. JC) et la fin de la culture égyptienne.

 

Ailleurs

 

Un débat similaire existe pour l'écriture chinoise, qui s'est développée autour de 1200 av. J.-C. Il s'agit probablement d'une invention indépendante, parce que rien ne prouve qu'il y ait pu avoir un quelconque contact ente la Chine et les civilisations lettrées du Proche-Orient, et aussi à cause des différences entre les approches mésopotamienne et chinoise à la logographie et à la représentation phonétique.

Les systèmes d'écriture mésoaméricains (qui comprennent entre autres les écritures des Olmèques et des Mayas sont supposés avoir des origines indépendantes.

Un système d'écriture hiéroglyphique utilisé par les Micmacs, qui fut observé par les missionnaires des XVIIe siècle, XVIIIe siècle et XIXe siècle, est supposé s'être développé indépendamment. Cependant, il y a un débat pour savoir s'il y eut un système complètement formé ou juste une série de pictogrammes mnémoniques.

On pense que la première écriture alphabétique consonnantale est apparue avant 2000 av. J.-C., pour représenter le langage développé par les tribus sémites de la péninsule du Sinaï (voir Histoire de l'alphabet). La plupart des autres alphabets du monde aujourd'hui descendent de cette innovation, la plupart via l'alphabet phénicien ou furent directement inspirés par ce dernier.

Le premier véritable alphabet est l'alphabet grec qui représente les voyelles depuis 800 av. J.-C. L'alphabet latin, un descendant direct, est de loin le système d'écriture le plus utilisé dans le monde aujourd'hui.

 

 

 

 

TP    Le Scribe accroupi 

 

 

Question1 : Il remonterai à une période entre 2600 et 2300 avant JC…les ouvriers du chantier de fouilles qui l’ont découvert ont été stupéfié et parfois terrorisé…pourquoi ?

 

 

Question2 : Qu’est-ce qui distingue cette sculpture des œuvres égyptiennes habituelles?

 

 

 

• La technique des yeux (ou LdeV n’a rien inventé)

 

 

L’Atelier Scribe…

 

Inscrire son nom égyptien dans un cartouche

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Chapitre 3

 

Le temps des héros

 

 

En Grèce, la statuaire va jouer un rôle mythique pour le culte des grands hommes, le culte des héros.

Il ne s’agit pas seulement d’en conserver la mémoire, mais aussi et surtout de remplir des fonctions d’édification, d’éducation.

 

A cette époque, au niveau des formes, il va être surtout question de perfection, celle de donner une exceptionnelle apparence de vie. (Praxitèle : Aphrodite, Hermès portant le jeune Dyonisos)

 

22 Pline nous rapporte que Lysippe (-350) était un grand maître pour la chevelure. Et la description de Pline nous pose la question : qu’est-ce qu’une imitation réussie ?

Chez Lysippe le principal travail ne repose pas sur une simple vérité mais sur « l’impression d’être » et où le « telles qu’elles sont » (les choses, ou objets) est moins important que le « telles qu’elles apparaissent »…cette simple question va déterminer la quasi-totalité de l’histoire de l’Art.

 

Mais la recherche grecque la plus originale fut celle de l’individualisation. On est plus dans le recherche d’une production standardisée comme en Egypte, mais dans un sens du détail pour mieux représenter l’individu. L’Art grec c’est celui de la « Mimésis ».

 

Le paradoxe de cet idéal des Grecs, c’est qu’à la recherche de la vérité en Art, ne se substitue une constante recherche de l’illusion…

 

Histoire 1  

 

…cette surenchère dans l’illusion peut se résumer dans l’anecdote de Zeuxis et Pharassius : Zeuxis est 29 un peintre grec originaire d’Héraclée qui aurait vécu de 464 à 398 avant JC. Ses œuvres ont totalement disparues mais des écrits d’Anciens l’évoque comme étant l’un des plus grands peintres de l’Antiquité. Il maitrise l’art du trompe l’œil mais également le jeu des couleurs, les contrastes d’ombres et de lumière ce qui permet de donner l’illusion de l’espace.

En concurrence avec un autre peintre Parrhasius qui maitrisait les lignes et les contours. Ils relevèrent un défi pour déterminer qui était le meilleur peintre. Chacun se mis à peindre une fresque.

1/ Zeuxis présenta son tableau, il souleva le rideau qui cachait sa peinture. Cette fresque représentait une coupe de fruits avec des poires et du raisin. Des oiseaux se posèrent à coté de l’œuvre et commencèrent à picorer la grappe de raisin. Les oiseaux se heurtèrent aux murs et tombèrent. Tout le monde était stupéfait.

2/ Son rival, Parrhasius présenta sa fresque, chacun regarda le mur. Zeuxis lui demanda de lever le rideau mais le peintre ne bougea pas et lui répondit qu’il regardait déjà l’œuvre. On se rendit compte qu’il avait peint un rideau de manière si réaliste que personne n’avait vu l’illusion. Zeuxis s’avoua vaincu et félicita Parrhasius pour son illusion. 

• Zeuxis n’avait réussi à tromper que des oiseaux tandis que son adversaire avait réussi à tromper un artiste ainsi que le jury. Zeuxis ajouta « J’ai mieux peint les raisins que l’enfant car si j’eusse aussi bien réussi pour celui-ci, l’oiseau aurait dû avoir peur ».

 

Justement Platon s’empare de cette course à l’illusion pour dénoncer les projets artistiques qui non seulement s’éloignent de la « vérité », mais pire, qui la déforment !

 

Mais une telle opposition de la part d’un homme aussi important que Platon ne va nullement empêcher que le statut de l’Art évolue vers une plus grande « autonomie » de l’artiste, et vers une recherche plus individualiste, et la possibilité qu’une œuvre d’art provoque une jouissance privée.

 

Histoire 2

 

29 Cette progression est apparente dans cette autre histoire racontée par Pline : il évoque le grand artiste Apelle

On sait ce qui se passa entre Protogène et lui : Protogène résidait à Rhodes;

1/ Apelle, ayant débarqué dans cette île, fut avide de connaître les ouvrages d’un homme qu’il ne connaissait que de réputation; incontinent il se rendit à l’atelier. Protogène était absent, mais un grand tableau était disposé sur le chevalet pour être peint, et une vieille femme le gardait. Cette vieille répondit que Protogène était sorti, et elle demanda quel était le nom du visiteur : «Le voici,» répondit Apelle; et, saisissant un pinceau, il traça avec de la couleur, sur le champ du tableau, une ligne d’une extrême ténuité.

2/ Protogène de retour, la vieille lui raconte ce qui s’était passé. L’artiste dit-on, ayant contemplé la délicatesse du trait, dit aussitôt qu’Apelle était venu, nul autre n’étant capable de rien faire d’aussi parfait. Lui-même alors, dans cette même ligne, en traça une encore plus déliée avec une autre couleur, et sorti en recommandant à la vieille de la faire voir à l’étranger, s’il revenait, et de lui dire : «Voilà celui que vous cherchez.»

3/  Ce qu’il avait prévu arriva : Apelle revient, et , honteux d’avoir été surpassé, il refendit les deux lignes avec une troisième couleur, ne laissant plus possible même le trait le plus subtil. Protogène s’avouant vaincu, vola au port chercher son hôte.

• On a jugé à propos de conserver à la postérité cette planche admirée de tout le monde, mais surtout des artistes. J’entends dire qu’elle a péri dans le dernier incendie qui consuma le palais de César sur le mont Palatin. Je me suis arrêté jadis devant ce tableau, ne contenant rien dans son vaste contour que des lignes qui échappaient à la vue, paraissant comme vide au milieu de plusieurs excellents ouvrages, mais attirant les regards par cela même, et plus renommé que tout autre morceau.

• Cette belle histoire ne marque pas l’invention de l’Art abstrait mais illustre la rivalité technique entre les peintres antiques, car cet art de l’illusion va longtemps reposer sur la maitrise technique des artistes…critère qui longtemps va demeurer le principal moyen de distinguer un grand artiste parmi les nombreux autres de son temps.

 

La Beauté est un thème que nous avons abordé en filigrane. Dans l’Antiquité, la Beauté n’est pas au centre, et sans être exclue du débat, son concept n’est pas fondamental. Déjà, dans le monde grec, il y a 2 faces : le monde apollinien et le monde dionysiaque.

 Apollon étant le Dieu de l’harmonie et de la mesure, tandis que Dionysos est celui du chaos, de l’excès !

 

1/ Beau=Bon (utile)    perfection technique

2/ Beau=Plaisir satisfaction sensible

3/ Beau=Harmonie (règles mathématiques)

 

30 Pour Platon le risque est que la sensibilité ne donne une vision fausse de la Beauté. Aristote reprend la Mimésis de Platon, mais lui accorde un sens positif par le biais de la catharsis.

En partant de l’harmonie, Pythagore donne une vision mathématique de la Beauté,  avec des proportions dont la mise en règles strictes va aboutir au Canon de Polyclète.

 

C’est une telle conception de la Beauté « harmonieuse » qui va traverser les siècles en Occident jusqu’à, au moins, la Renaissance.

 

 

Pour toutes ces raisons, l’Art de la Grèce antique nous est à la fois si familier, mais si différents. C’est par ses fonctions que cet Art diffère, il relie le beau à l’Utile, l’Esthétique n’a pas le plaisir pour fondement, mais c’est le rôle social et spirituel qui l’emporte. Notre vision esthétique leur semblerait si superficielle. On est pas dans le regard sur des œuvres d’art mais sur une vraie contemplation qui est au-delà de la vision, et qui serait alors une expérience spirituelle…cette « contemplation » va parcourir les siècles de l’Occident chrétien. Pour ce qui concerne le statut de l’artiste on est retombé sur la « technè ».

 

On peut observer une hiérarchie, fortement teinté de néoplatonisme :

 

• les arts les moins nobles sont les plus proches de la nature (agriculture, médecine),

• ensuite viennent les arts de l’imitation (peinture, sculpture, danse, pantomime),

• les arts créatifs liés aux objets (architecture, musique, menuiserie)à qui imposent des formes nouvelles au sensible

• les arts créatifs liés aux activités humaines ont une place élevée dans la hiérarchie (rhétorique, économie, politique,

• le sommet de la hiérarchie des arts concernent les arts de l’intelligible (géométrie, sagesse).

 

 

Une Histoire de Formes

 

 

1. L’art géométrique

Attribué à l’atelier Hirschfeld, Terracotta krater, vers 750-735 avant JC © The Metropolitan Museum of Art

L’art géométrique est le mouvement artistique qui court en Grèce d’environ 900 à 700 avant JC. Cette période marque la fin des siècles obscurs, déclenchés par l’effondrement catastrophique de la civilisation mycénienne.

• À cette époque, on trouve des poteries décorées en rouge et noir, avec des formes décoratives et des images d’animaux et d’hommes. Les artisans se servent principalement de formes géométriques, donnant au mouvement le nom que nous lui connaissons aujourd’hui. 

Les vases de cette période sont souvent des vases funéraires, utilisés pour contenir les cendres ou alors comme des pierres tombales. Mais il existe aussi des vases à boire, utilisés lors des symposiums. Ces rassemblements avaient lieu après un banquet et étaient le lieu où les hommes buvaient, conversaient et s’amusaient. Selon son usage, le vase présentait des images différentes sur sa surface. Les vases funéraires, par exemple, représentaient des scènes funéraires, tandis que les vases créés pour les symposiums montraient des scènes de réunion, de spectacle et de divertissement.

• La narration jouait un rôle important dans l’art géométrique de la Grèce antique. Les scènes dépeintes racontent des histoires, qui doivent ensuite être interprétées par le spectateur. Pour les décrypter, il faut une très bonne compréhension du contexte historique, social et religieux. Ainsi, ces œuvres nous offrent des illustrations passionnantes de la mythologie, de la littérature et des pratiques grecques. 

 

 

 

2. L’art de la Grèce Antique : la période archaïque

À gauche: Anavysos Kouros, vers 530 avant JC; à droite : Peplos Kore, vers 530 avant JC © National Archaeological Museum, Athens; Acropolis Museum

 

Après l’art géométrique vient l’art archaïque, qui concerne l’art grec créé entre 700 et 480 environ avant JC. Au début de cette période, et en particulier entre 735 et 650 avant JC, l’art grec est influencé par les civilisations étrangères du Proche-Orient. C’est pourquoi, on appelle cette période la phase « d’orientalisation ».

 Au cours de la période archaïque, les représentations de l’homme deviennent de plus en plus réalistes, et les sculptures en pierre se popularisent. 

Les statues kuoros (homme) et kore (femme) datant de la période archaïque sont faites de calcaire et représentant de jeunes hommes et femmes. Les statues sont généralement de forme symétrique et ont souvent un pied placé légèrement en avant. Généralement faites en grandeur nature, certains exemples anciens mesurent jusqu’à 3 mètres de haut. Alors que dans un premier temps, on pensait que les kuoros et les kore étaient uniquement utilisés pour représenter le dieu Apollon, on a découvert depuis qu’ils avaient d’autres usages. Ces sculptures servaient également de pierres tombales commémoratives des défunts, de trophées pour les vainqueurs des jeux et d’offrandes aux dieux.

Outre la sculpture, la période archaïque a également vu fleurir la poterie décorée, héritée de la période géométrique. Les vases de style rouge et noir étaient extrêmement populaires. Ils représentaient souvent des humains et des animaux, richement décorés de motifs géométriques complexes.

 

3. L’art classique

Une photographie du Parthénon à Athènes © PNIK / Shutterstock

 

Au cours de la période classique de la Grèce antique, de 480 à 323 avant JC, Athènes s’est hissée au premier rang sur le plan politique, culturel et économique. Après la défaite des Perses en 479 avant JC, l’homme d’État athénien Périclès transforme l’Acropole d’Athènes en un monument témoignant du nouveau statut et de la puissance de la ville. Le temple construit par Périclès, le Parthénon, reflète la grandeur architecturale et artistique, encore aujourd’hui associée à la période classique de la Grèce antique.

Construit en marbre et richement décoré de sculptures, il abritait une énorme statue d’Athéna. Celle-ci était en or et en ivoire, de 12 mètres de haut, et conçue par le sculpteur Phidias. Le temple lui-même mesure 70 mètres de long et 30 mètres de large. Malheureusement, le Parthénon a subi de graves dommages au cours des derniers siècles. Après la destruction du centre du temple par des explosifs, Thomas Bruce vend les statues et objets restants au British Museum entre 1801 et 1803. 

La période classique de l’art grec ancien reste l’une des plus merveilleuses de l’histoire du monde. Les sculptures de cette période font preuve d’une grande liberté de mouvement et d’expression. Aussi, elles représentent leurs sujets d’une manière plus naturaliste que celle des périodes précédentes. Plutôt que de mettre l’accent sur la symétrie, les artistes privilégient des formes fluides et dynamiques, créant l’illusion qu’elles se déplacent dans l’espace.

 

 

4. L’art de la Grèce antique : la période hellénistique

Laocoön et ses fils, copie d’après un original hellénistique d’environ 200 avant JC, trouvé dans les thermes de Trajan, 1506 

 

La période hellénistique de l’art grec ancien s’étend de 323 à 31 avant JC. Suite à la mort d’Alexandre le Grand en 323 avant JC, l’empire macédonien a commencé à s’effondrer. Le terme « hellénistique » fait référence à l’expansion et à la diffusion des idées grecques pendant cette période. On parle parfois d’« hellénisation » du monde. Malgré la défaite de la Grèce face aux Romains, les tendances artistiques hellénistiques continueront à influencer fortement l’art gréco-romain. 

La période hellénistique est une période de prospérité et de richesse pour les classes supérieures.

 

Alors que la peinture sur vase perd en popularité, les formes d’art de la sculpture, de l’architecture et de la peinture s’épanouissent. Les sculpteurs grecs sont devenus si habiles techniquement que leurs sculptures transcrivent une beauté et un héroïsme parfaits, comme l’illustre l’œuvre Laocoön et ses fils datant d’environ 200 avant JC. Loin des poses symétriques et statiques de la période archaïque, ces figures sont dynamiques, débordantes de vie et d’émotion.

Un autre exemple célèbre de sculpture grecque hellénistique est La Victoire de Samothrace. Créée au début du 2ème siècle avant JC, elle est redécouverte au 19ème siècle. Cette sculpture est conservée au Louvre, où elle prend place au sommet du monumental escalier Daru. 

La Victoire de Samothrace, vers 200-185 avant JC © Musée du Louvre

 

L’art de la Grèce antique : un héritage vivant et infini

En conclusion, l’art de la Grèce antique couvre diverses périodes historiques. Il est nourrit de divers styles, chacun ayant une influence sur les périodes ultérieures.

 

 

 

TP   Venus de Milo  32

 

 

Question1  que remarque-t-on ?

 

• l’absence de bras, la Beauté, l’Harmonie ?

 

Question2  quelle caractéristique de la sculpture grecque, l’absence de bras souligne-t-elle ?

 

Aphrodite ou Amphitrite…

 

• symbole de Beauté, oui c’est une évidence…mais il s’agit d’une copie d’œuvres provenant de l’école de Praxitèle (sans doute un certain Scopas).

 

 

• Son apparence était plus colorée : chair de couleur vive, bijoux en métal

 

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L’Aphrodite de Cnide par Praxitèle 33 a et b

 

Cette sculpture fragmentaire image principale image b est une copie romaine de l'Aphrodite de Cnide, une sculpture grecque très célèbre dans l'Antiquité. L'œuvre originale a été réalisée par Praxitèle vers 360 av. J.-C. et a été sculptée dans du marbre de Paros.

Dans l'Antiquité grecque et romaine, l'Aphrodite de Cnide fait partie des deux statues les plus             33 d admirées avec le Zeus d'Olympie, œuvre chryséléphantine du sculpteur Phidias, considérée comme l'une des Sept Merveilles du monde.

Une statue d'une grande beauté

 

Au Ier siècle apr. J.-C., soit quatre cents ans après sa création, Pline l'Ancien écrit dans ses Histoires naturelles que l'Aphrodite de Cnide surpasse toutes les œuvres « de la terre entière ». Il rapporte la célèbre histoire selon laquelle Praxitèle avait sculpté deux statues d'Aphrodite, l'une vêtue et l'autre nue, pour les villes de Cos et de Cnide. Les habitants de Cos choisirent la déesse vêtue, les habitants de Cnide celle qui était nue.

La statue nue fit pour des siècles la renommée de Cnide. Cette première représentation d'un nu féminin de taille humaine attira en effet nombre de voyageurs tout au long de l'Antiquité. Parmi eux, trois amis que met en scène le Pseudo-Lucien dans Les Amours : il raconte que l'un d'eux tomba amoureux de la sculpture, au point de se laisser enfermer dans le monument où elle était exposée afin de passer la nuit avec elle.

 

Cette attraction tenait en grande partie à la beauté de l'Aphrodite de Cnide, que l'auteur Athénée disait inspirée du corps de la belle Phrynè, la compagne de Praxitèle.

 

Enquête sur une statue disparue  CNOS/CNIDE

L'Aphrodite de Cnide connut un tel succès qu'elle fut sans cesse copiée et recopiée durant sept siècles, dès sa création, puis tout au long de l'Empire romain : pas moins de deux cents copies de différentes tailles et matières sont recensées à ce jour.

Mais, comme la plupart des statues grecques les plus célèbres, la sculpture de Praxitèle a aujourd'hui disparu elle semble avoir été détruite dans un incendie à la fin de l'Antiquité.

Pour étudier l'œuvre originale, il faut donc analyser les témoignages écrits, rarement contemporains, les copies plus ou moins fidèles, fragments, statuettes en bronze, en terre cuite… Le travail des historiens de l'art se fonde sur une discipline qu'ils nomment la « critique des copies » : ils tentent, à travers tous ces éléments, d'avoir l'idée la plus juste possible de l'œuvre originale. Les conclusions restent toutefois souvent incertaines.

 

L'invention de la nudité féminine

Toutefois à partir de ces éléments, une analyse globale de l'œuvre originale est possible.

La grande nouveauté de cette image de la déesse était la nudité. En effet, si le corps masculin nu est représenté dès le début de la sculpture grecque, le corps féminin ne se dévoile qu'à la fin du Vè siècle av. J.-C. dans la grande statuaire les effets de draperies mouillées 33 1 témoignent alors d'un regard nouveau porté sur la sensualité féminine.

Pour sculpter le corps d'Aphrodite, Praxitèle avait choisi le marbre, qu'il devait considérer comme mieux adapté au traitement du modelé des chairs.

Il faut imaginer cette sculpture polychrome. Les auteurs de l'antiquité nous apprennent en effet que la statue avait été peinte par le célèbre Nicias, admiré pour le rendu illusionniste des ombres et des lumières.

Une des copies romaines les mieux conservées, dite la Vénus du Belvédère 33 2, montre la déesse nue, debout, la tête légèrement tournée vers sa gauche, la main droite devant son sexe, la gauche prenant – ou déposant – une draperie sur le vase posé à côté d'elle.

La pondération est classique : l'appui sur la jambe droite et le relâchement de la jambe gauche entraînent une inclinaison du bassin qui se répercute selon un rythme croisé dans la position des épaules. Si cette attitude rappelle les créations athlétiques de Polyclète, les cuisses doucement rapprochées et le dos légèrement incliné en avant féminisent l'allure générale du corps qui s'offre au regard du spectateur. Cette construction est bien lisible sur le torse fragmentaire du musée du Louvre il révèle mieux encore le gonflement du triangle pubien image principale et, dans la vue de dos, l'inclinaison des épaules et la rondeur des hanches image b.

Quel était son visage ?

Si les auteurs de l'Antiquité vantaient la beauté du corps de l'Aphrodite de Cnide, ils n'étaient pas moins émerveillés par celle de son visage, « son léger sourire » (Pseudo-Lucien, Les Amours), « la douceur de son regard humide à l'éclat et à la bienveillance sans égale » (Lucien, Les Images).

Quel écho de cette forte impression les copies antiques nous livrent-elles ?

La même structure générale se retrouve invariablement dans toutes les copies : le triangle du front, les cheveux ondulés en bandeaux sur les tempes de part et d'autre d'une raie médiane, les yeux à la paupière inférieure s'effaçant dans la joue, la bouche petite aux lèvres légèrement entrouvertes.

Cependant, si certaines copies montrent un visage aux joues pleines 33 4, d'autres offrent un dessin plus aigu 33 5.

Quel est le sens de cette nudité ?

Malgré la présence de la draperie et du vase, l'Aphrodite de Cnide ne doit pas être considérée comme une simple déesse au bain. Tente-t-elle de dévoiler ou bien de cacher sa nudité ?

Les historiens de l'art ont voulu discerner plusieurs types, un type calme et un type inquiet dont l'évolution ultime serait l'Aphrodite pudique 33 3, qui dissimule son corps au regard étranger.

Toutefois, les témoignages antiques s'accordent pour dire que l'Aphrodite de Cnide exprimait une grande sérénité. Aphrodite, déesse de la beauté, déesse de l'amour, est la déesse céleste, fille d'Ouranos, puissance primordiale, source de fécondité.

Praxitèle et la sculpture du IVe siècle av. J.-C.

La carrière de Praxitèle est difficile à retracer. Athénien, fils de sculpteur, père de sculpteur, il fait partie de la génération des créateurs du IVe siècle av. J.-C. qui renouvellent les grandes inventions plastiques du début du classicisme. Ainsi, outre l'introduction de la nudité féminine dans la grande statuaire, Praxitèle propose de nouvelles formules dans la représentation du corps féminin drapé     33 6.

Par ailleurs, il privilégie le corps adolescent aux dépens du corps athlétique et confère une élégance sensuelle au nu masculin 33 7.

Autant de nouveautés qui rencontreront un succès sans pareil auprès des collectionneurs romains et conduiront à la multiplication des copies ou des réinterprétations de ses œuvres. Nous savons, par exemple, que l'homme politique romain Cicéron collectionnait des « têtes praxitéliennes », c'est-à-dire dans le style de Praxitèle, car il appréciait la sensualité et la douceur qui s'en dégageaient.

La personnalité de Praxitèle est sans doute complexe, et la recherche sur son œuvre reste d'actualité. Le sculpteur est ainsi considéré depuis peu comme l'auteur d'une tête colossale d'Artémis retrouvée sur l'acropole d'Athènes, qui relève d'un style monumental complètement différent 33 8.

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